Um grito de alerta. É assim que Dóris Israel, médica homeopata do Rio de Janeiro, classifica seu livro, Detox já, que acaba de ser lançado pela editora Agir. A autora defende que existe um estilo de vida superficial e inadequado quando o assunto é saúde e alimentação.

As pessoas se alimentam de forma muito tóxica. A alimentação pesada as deixam mais raivosas e intolerantes, as afastam de sua postura emocional normal, diz Dóris. Com receitas alternativas para as refeições, o livro trata da importância da desintoxicação aplicada a um melhor estilo de vida. Seguir ao menos uma semana de alimentação mais leve tem entre seus efeitos uma maior clareza mental, bom humor e vitalidade. Além, é claro, da perda de peso.

Você deve fazer do alimento seu remédio, enfatiza a médica. A beleza exterior e a interior precisam estar sempre em equilibro.

Para a geração que cresceu nos anos 1980, o mito do herói solitário dos cinemas trocou a espada pela escopeta e o cavalo pelo automóvel. Não que caubóis, samurais e agentes secretos tivessem perdido o encanto, mas as novidades eram o Cobra Plissken de Fuga de Nova York ou o patrulheiro Mad Max pilotando seu V8 despedaçado nas planícies de uma Austrália pós-apocalíptica.

Eu era muito jovem quando assisti ao primeiro Mad Max (1979) e nos anos seguintes lembrei de pouca coisa além das cenas finais, em que Max Rockatansky se vinga dos delinquentes que assassinaram sua esposa e seu filho pequeno. A violência e os choques entre veículos eram marcantes para a época, mas o mais perturbador era a forma como o diretor George Miller cristalizava seu protagonista em um espectro amargurado. Depois de algemar o último bandido a um carro prestes a explodir, Max entrega-lhe um serrote, dá as costas e pega a estrada rumo ao horizonte da loucura. Revendo o filme recentemente, o que mais me chamou a atenção foi a concepção do cenário pós-apocalíptico. O mundo parece em vias de acabar, como se a verdadeira ruptura ainda não tivesse ocorrido. A polícia ainda tenta prender os bandidos como em qualquer lugar. Max leva a família para um retiro idílico à beira-mar. O clima é o de uma cidade longínqua de fronteira. Desolador, sim, mas ainda estamos na civilização.

A ruptura com nossa ideia de civilização se daria com o seminal Mad Max 2: a caçada continua (1981), tradução panaca para o original The Road Warrior. Aqui já não há sinais da civilização. Todos são mercenários procurando sobreviver de alguma forma num deserto efetivamente pós-apocalíptico, no qual a gasolina se tornou o bem mais precioso. Mel Gibson parece ter envelhecido uma década desde o filme anterior. É famosa a história: Gibson obteve o papel no primeiro filme, sua estreia no cinema, porque foi ao teste de elenco com o rosto detonado após uma briga de bar. No segundo filme, seu visual de lutador clandestino em trajes de couro ganha contornos míticos, ressaltados por uma noção algo cristã do flagelo físico como caminho para a redenção.

Podemos ligar o mundo de Mad Max 2 aos temores pós-Guerra Fria e à crise do petróleo, mas o longa sobrevive mesmo como pura experiência cinematográfica: é um dos mais eletrizantes e brutais filmes de ação já feitos e um marco de direção artística, com seus figurinos punk-sadomasô e veículos delirantes feitos de sucata. George Miller deu outro salto com Mad Max – Além da Cúpula do Trovão (1985). A ruptura aqui é com o realismo. O filme parece se inspirar em sucessos de aventura como Os caçadores da arca perdida. A cidade de Bartertown, liderada por Tina Turner, é um freak show medieval. O centro do filme é a tribo de crianças que sobrevive em um oásis depois de um acidente aéreo pré-apocalíptico. Elas elegem Max como seu improvável salvador, o que confere ao longa um humor tipo Sessão da Tarde. O filme carece da força e coesão narrativa dos antecessores, mas tem um furor criativo juvenil que merece respeito.

Pelo que se viu nos trailers, o quarto episódio da série, Mad Max: estrada da fúria, combinará a brutalidade e as perseguições de carro extremas do segundo filme com a imaginação do terceiro. É o suficiente para induzir frêmitos nos fãs de filmes de ação pós-apocalípticos. Se trouxer também algo parecido com a violência disruptora dos dois primeiros filmes, teremos um clássico.

Não é fácil criar um país novo. O processo pode envolver guerras, mortes, destruição. Além disso, há outro desafio: um país só existe quando é reconhecido por outros países.

Alguns têm um bom caminho andado, como Kosovo, que tem o selo de aprovação de 108 membros da ONU – apesar de a Sérvia contestar sua existência. Outros não têm tanta sorte, como Transnistria, Nagorno­­­-Karabakh, Abkhazia e Ossétia do Sul, que há anos funcionam como países, porém quase sem legitimidade internacional.

Esnobados pela maior parte do clube mundial de países — Abkhazia e Ossétia do Sul têm a aprovação de Rússia, Nicarágua e Venezuela; Transnistria e Nagorno- Karabakh de absolutamente nenhum —, os quatro resolveram criar o seu próprio grupo, a Comunidade para Democracia e Direitos das Nações, fundada em 2001, e se reconheceram mutuamente em 2006.

O Brasil não mantém relações diplomáticas com nenhum desses não países. Isso não impede, porém, um turista armado do passaporte nacional e de um smartphone de visitá-los. Mas, segundo o Itamaraty, apesar de não existirem restrições, a "assistência consular a brasileiros nesses locais poderia estar dificultada".

O processo pode ou não ser complicado.

Nagorno-Karabakh

Montanhosa e cheia de monastérios antigos, a república se declarou independente em 1991, depois do fim da República Soviética. Para entrar é preciso ir para a Armênia, de onde é possível pegar um ônibus. Isso é considerado ilegal pelas autoridades do Azerbaidjão – o visto azerbaidjano será negado eternamente ao turista que visitar o território.

Transnistria

Espremido entre Moldávia e Ucrânia, o território abriga a fábrica da Kvint, marca de conhaque famosa na ex-União Soviética, fundada em 1897. Entra-se pela Moldávia, país do qual a Transnistria se separou em 1990. Um visto de 24 horas é conseguido na fronteira.

Abkhazia

Destino popular de férias na Rússia, a Abkhazia se separou da Geórgia em 1999. Tem praias no mar Negro e montanhas para a prática de esportes de inverno. O visto pode ser requisitado através de um formulário no site do Ministério Exterior do país – e é necessário também um visto russo de dupla utilização, para voltar à Mãe Rússia depois do passeio.

Ossétia do Sul

Também separada da Geórgia, em 1991, é acessível apenas pela Rússia e é preciso pedir autorização por e-mail (consul.mfa-rso@yandex.com), além do visto russo de dupla ou múltipla utilização. Mas atenção: Ossétia do Sul está em um cessar-fogo com a Geórgia agora, mas os países estavam em guerra há pouco tempo.

O trem chegou no fim da noite a Van, cidade que fica numa região montanhosa da Anatólia, noroeste da Turquia. Partiu 1 hora depois. A partir daí, a viagem no Trans Asia Express torna-se uma jornada por diversas rupturas. A primeira delas: Ancara, ponto de partida, reúne características da Europa e da Ásia, mas quando se cruza a fronteira com o Irã é como entrar em outro mundo.

O Trans Asia é um trem de turismo que liga a capital da Turquia a Teerã desde 2002. O caminho é o mesmo seguido pelo viajante Marco Polo (1254-1324) ao percorrer a antiga Rota da Seda até a China. Muito da paisagem milenar continua igual, mas o Irã é desde 1979 uma república islâmica e um dos países mais fechados do mundo. Quando o trem cruza a fronteira, as mulheres são obrigadas a cobrir os cabelos com o hijab, o véu islâmico. Já na primeira estação, em Razi, um grande painel do aiatolá Khomeini, líder da revolução iraniana, toma a vista.

Os iranianos são xiitas, vertente do islamismo mais radical do que a sunita, da maioria dos países árabes e da Turquia. Há 35 anos, em plebiscito, eles decidiram adotar a sharia, a lei islâmica. Dentro do país, seguem preceitos do tempo de Maomé, no século VII.

Do lado de fora, a paisagem muda. Terminam os desertos turcos e surgem vales com paredões de pedra e grandes montanhas cobertas de neve. A região, próxima do Azerbaidjão, é única em sua variedade e inclui ainda campos gelados de vegetação baixa, lagos e rios. Quando a civilização começa, há pastores de ovelhas e pessoas vivendo em casas feitas de barro e lama, como há milhares de anos, e dezenas de quilômetros de pedreiras e fábricas. Só depois de 8 horas se avista a primeira cidade: Tabriz.

Nas horas seguintes, há tempo para conhecer os outros passageiros. Um ex-expatriado conta que deixou o país na época da revolução e viajou pelo mundo durante três décadas, mas teve vontade de voltar. Um motorista sonha ser campeão de MMA e um grupo de estudantes franceses teme hostilidades por causa do atentado em Paris, em janeiro.

O desembarque em Teerã só ocorre depois de 28 horas – 66 horas para quem embarcou na estação inicial, Ancara. Cansados, os passageiros são recebidos por mais uma foto de Khomeini. O que causa a sensação de que este é o fim de uma viagem no tempo.

Era junho de 2013 e eu ainda dirigia a TV Folha. Os protestos pela redução da tarifa de ônibus estavam se espalhando pelo país. As imagens da repórter Giuliana Vallone com o rosto ensanguentado após levar um tiro de elastômetro (bala de borracha) eram onipresentes nas redes sociais – e o protesto que aconteceria no dia seguinte prometia ser histórico. Era a oportunidade para que eu pusesse em prática um plano que vinha alimentando em minha cabeça há alguns meses: usar um drone em uma cobertura importante de hardnews.

No largo da Batata, milhares de pessoas se concentravam para sair em marcha em um dos maiores protestos já vistos em São Paulo quando o pequeno Phantom branco, equipado com uma câmera gopro e pilotado por Luis Neto, decolou de um posto de gasolina na avenida Faria Lima. Até então drones eram pouco conhecidos, e as reações de quem olhou para o céu naquela noite foram as mais diversas. Alguns acharam que eram alienígenas (um site de ufologia publicou matéria dizendo que um óvni fora visto sobrevoando as passeatas), outros acharam que era coisa da polícia. O mais encantado com aquilo, na verdade, era eu. Com o monitor de vídeo nas mãos, observava a multidão de um ângulo novo – e enxergava pela primeira vez a nova fronteira que se abria para o cinema e o jornalismo. Até aquele dia um drone nunca havia sido usado em uma cobertura jornalística no Brasil – e, até onde eu sei, no mundo. Essa cobertura foi um marco para a TV Folha, ganhamos o Prêmio Esso de Jornalismo e produzimos Junho, documentário lançado nos cinemas no ano seguinte. Foi ali que eu tive certeza de que nada mais seria como antes quando esses aparelhos se popularizassem.

O drone voa em uma altura que os helicópteros não alcançam, permite manobras impensáveis para qualquer outro tipo de equipamento de captação de imagens aéreas, passa dentro de janelas, vielas e é infinitamente mais barato do que todos eles – além, claro, de caber em uma simples mochila. Usado com criatividade é uma verdadeira revolução porque revela o mundo através de tomadas novas, nunca antes vistas. No cinema o que mais se aproximava do resultado da captação de imagens com drones eram as gruas, mas sempre com uma limitação de tamanho. Um take de drone passa a sensação de uma grua infinita. No jornalismo os usos também são inúmeros. Sem falar que o drone aumenta a segurança do repórter, que pode se expor menos para captar imagens melhores em lugares de alto risco, como zonas de guerra, incêndios etc. Recentemente, a empresa americana DJI sobrevoou com um drone a boca de um vulcão em erupção na Islândia a uma distância que nenhum ser humano suportaria, e fez imagens inacreditáveis.

As vantagens são muitas, mas a popularização dos drones também traz riscos, como invasões de privacidade. Normalmente a tecnologia chega antes e obriga os legisladores a correr atrás com seus passos lentos e desengonçados. Também por isso, creio que a regulamentação do uso de drones deve ser feita com urgência. Espero que nossos congressistas usem o bom senso e não burocratizem demais o processo de liberação do voo para que essas imagens de ângulos nunca vistos continuem chegando dos quatro cantos do país.

Charles Darwin era fascinado pelo rubor causado pela vergonha, que chamou de "a mais humana e peculiar das expressões". A alteração de circulação capilar que encantou o naturalista inglês pode se dar por muitas razões, inclusive quando somos apenas espectadores de uma cena embaraçosa – a conhecida "vergonha alheia".

Na década de 90, um grupo de cientistas italianos descobriu uma categoria de neurônios que estaria por trás de tal comportamento: os neurônios-espelho. Sobre eles, o doutor em ciências e professor do Programa em Neurociências da Universidade Federal Fluminense, Luiz Gawryszewski, explica: "A vergonha alheia é um reflexo do comportamento do outro. Todos os efeitos da observação provocam uma ativação subliminar".

Essa projeção é uma prática empática que age através dos neurônios espelho, que são ativados quando, em estado de atenção, observamos uma ação, intenção ou emoção; qualquer coisa que faça ou possa vir a fazer parte do nosso repertório de ações. É assim que memorizamos tarefas básicas – o porquê de não precisarmos aprender todas as manhãs a como escovar os dentes, por exemplo.

Ficamos constrangidos diante de um comportamento que podemos considerar grotesco socialmente, principalmente se praticado por uma pessoa que de alguma forma esteja ligada à nossa identidade social. Ao mesmo tempo, experimentamos a frustração de não podermos controlar as ações do "infrator" e, graças à autoprojeção provocada pelo neurônio-espelho, a ação do outro incomoda como um reflexo negativo de nossa própria imagem.

Por isso você quis sair correndo da sala há um ano, quando aconteceu o episódio conhecido como "7 a 1". Corremos.

1

Para Tahiana D’Egmont, CEO da Kickante, fundada em 2013 e que captou cerca de R$ 4 milhões em mais de mil campanhas, "quanto melhor a divulgação para o universo de interessados, mais bem-sucedido é o financiamento". Elementos como um bom texto e boa representação visual do projeto também são importantes.

2

Na plataforma Catarse, criada em 2011, ou o projeto bate a meta ou não recebe nada. A diferença entre uma campanha bem-sucedida ou não está no bom planejamento. Quem estuda o modelo e a plataforma, planeja bem e executa com dedicação tem mais chances. Daí o fato de que 90% dos R$ 29 milhões recebidos até hoje foram para 54% dos projetos. A faixa mais popular de apoio é entre R$ 20 e R$ 29 e o apoio médio por usuário é de R$ 141. Quanto melhor a recompensa, maior o valor apoiado.

3

O financiamento coletivo é uma troca, e toda cota de apoio envolve uma recompensa, mesmo que seja uma contrapartida simbólica. Na música, costumam dar certo a pré-venda de CDs e DVDs novos, por chegar ao fã autografado e antes do mercado, além de experiências únicas como ir ao camarim ou jantar com o ídolo.

4

O público também precisa acreditar que é possível conseguir a grana dentro do prazo estipulado. "O projeto tem que ter o tamanho do artista. Uma boa ideia pode até chamar a atenção, mas precisa de respaldo", opina Rodrigo Lima, vocalista do Dead Fish. Sua banda precisava de R$ 60 mil para gravar o novo álbum, Vitória. Levantou R$ 260 mil.

5

Para Leandro Delmonico, guitarrista da banda Charme Chulo, o segredo é ter fãs fiéis mesmo que em pequena quantidade. "Mas não é nada fácil convencer uma pessoa a parar o que está fazendo para ler a sua proposta, entrar no site, escolher uma recompensa e ainda pagar." Mesmo levantando R$ 30 mil para gravar um CD duplo, ele não pretende repetir a fórmula. "Não por birra, mas por manter aquele segredo bacana de um trabalho novo."

6

No esporte, a saltadora e campeã olímpica Maureen Maggi corria o risco de não participar das Olimpíadas de 2016 por falta de patrocínio para os treinos. Ela realizou uma campanha e, graças aos fãs, já confirmou a presença na competição. O projeto Fixando Raízes WimBelemDon, que integra crianças através do tênis em Porto Alegre, bateu o recorde para projetos do terceiro setor, arrecadando mais de R$ 275 mil. Um dos trunfoi foi conseguir padrinhos como Fernando Meligeni e Gustavo Kuerten. O espanhol Rafael Nadal e o escocês Andy Murrau doaram raquetes para serem usadas como recompensas.

7

A pesquisa Retrato do Financiamento Coletivo no Brasil 2013−2014 apontou que educação é a categoria que as pessoas tinham mais interesse em apoiar, e ao mesmo tempo a que mais carece de projetos relevantes.

"Isso é uma vergonha. Isso é uma vergonha. Isso é uma vergonha." Foi assim, em dose tripla, que o famoso bordão surgiu, em 1988, pouco depois de seu criador, Boris Casoy, ter trocado os jornais impressos pela televisão. Como apresentador do TJ Brasil, no SBT, também ajudou a introduzir o comentário no jornalismo brasileiro. "Naquela época não havia opinião, era uma novidade", lembra. No papo a seguir, por telefone, Casoy conta a história da expressão mais célebre (e intensa) de nosso telejornalismo.

Lembra da primeira vez que falou "Isso é uma vergonha"? Foi no começo do Telejornal Brasil, no SBT. Foi exibida uma reportagem sobre um hospital no Recife. Era um pronto-socorro fétido, daqueles horrorosos, com pessoas pelo chão, uma coisa de filme de terror. Enquanto a matéria era transmitida, fiquei meditando. Lembrei de uma pequena emissora americana que, quando o Kennedy foi assassinado, parou suas transmissões e colocou em letras garrafais: shame (vergonha). Eu me lembrei disso e, quando a câmera abriu para mim, eu disse: "Isso é um vergonha", três vezes. Foi um impulso.

E o que aconteceu? As pessoas que dirigiam o jornal disseram que tinha sido uma agressão ao telespectador. Mas o telefone não parava, as pessoas dizendo: "O senhor soltou o grito que estava na minha garganta".

Como decide quando usar? Não uso para questões morais. É sempre sob o aspecto da indignação. Esse "é uma vergonha" tem uma relação direta com a indignação. Decido colocar quando sinto isso.

Quais as coisas mais vergonhosas que já noticiou? São tantas que tenho medo de omitir algumas [risos].

Ainda temos muitas coisas pra nos envergonhar? Eu acho que, infelizmente, o bordão não vai acabar. Quando eu paro, recebo e-mail, telefonema de alguém reclamando que não falo mais. Quer dizer, a expressão, nesses 20 e poucos anos de televisão, não perdeu força.

E na vida pessoal, já passou vergonhas? Claro, eu sou um ser humano. Até na televisão, claro que sim.

E qual foi a maior? Ah, também não quero mencionar [risos].

A vergonha – como sentimento público e como condição privada – é o tema de Shame, uma série da sul-africana Penny Siopis com mais de cem obras de formato pequeno, que às vezes são exibidas em conjunto, formando uma grande peça. "A vergonha envolve nudez psicológica, exposição, humilhação, mágoa, culpa e constrangimento profundo", escreve Siopis no texto de apresentação do trabalho, de 2004. "Mas há também uma outra dimensão da vergonha que me interessa: em seu mais profundo desespero, a vergonha pode nos oferecer o potencial para a empatia." No seu país, a artista conta, a palavra "vergonha" é usada coloquialmente como uma expressão de simpatia e identificação com a dor pública de outras pessoas. Siopis nasceu em 1953 em Vryburg, no interior da África do Sul, e é professora honorária na Faculdade de Belas Artes da Universidade da Cidade do Cabo. 

Vai lá bit.ly/penny_siopis

“Cor para mim é verão e, já que enxergo diferente de todo mundo, queria lançar o verão a partir do meu olhar”, conta. “Unir cores e ideias e lançar os objetos que farão sucesso no verão de 2020, quando ar-condicionado nenhum dará conta do calor. Essa é a ideia.” Leska começou a desenhar ainda criança, tentando copiar seus personagens favoritos dos desenhos animados. Hoje, ele gosta de “distorcer a realidade de um jeito que me diverte”. “E o mais legal é quando o trabalho fica pronto e vejo as pessoas interagindo, tentando fazer o processo de adivinhar a cabeça do artista”, diz.

Vai lá leska.com.br

"Esses garotos vivem para pescar, caçar, lutar e surfar." É assim que Bruno Lemos descreve a rotina dos personagens que escolheu com Kleber Pires para Filhos do Hawaii, série que vai mostrar a primeira geração de descendentes de brasileiros que vivem no arquipélago americano. "Um estilo de vida completamente relacionado com a natureza em um dos lugares mais incríveis do planeta", completa. Surfistas, Bruno e Kleber, de 44 e 45 anos, dividem a direção do programa, que estreia no começo de 2016, no canal Off.

Os primeiros brasileiros que chegaram no Havaí, na década de 70, vieram atraídos pelo surf. "Os filhos desse grupo têm hoje mais ou menos a mesma idade e vivem da mesma forma que os locais", afirma Bruno. Ou seja: mergulhar e surfar ondas gigantes, além de caçar javalis, é parte da rotina. "Eles cresceram vendo as maiores e mais perigosas ondas do mundo, tendo que provar para si e para os amigos que podem desafiar essas ondas e se impor como garotos fortes e corajosos", diz o diretor.

São jovens como os irmãos Kiron e Kalani, filhos de João Jabour, brasileiro radicado no Havaí; Ryan de Seixas, filho de Horácio de Seixas – primo do eterno Raul Seixas –; Kona Olivera, filho do salva-vidas Cezar Oliveira; e, como não podia faltar, Kaele Lemos, filho de Bruno. "Começamos as gravações no inverno passado. Eu, o Bruno e os garotos interagimos juntos na produção", diz Kleber, que também dirigiu o documentário Caçadores de ondas grandes.

A primeira temporada de Filhos do Hawaii tem 13 episódios e promete, além de histórias de amor pelo surf e do cotidiano da vida havaiana, imagens de tirar o fôlego, com câmeras de alta qualidade e super slow motion. "Daremos ênfase a imagens aéreas", diz Kleber. "O Ryan Seixas será o responsável por isso, operando um drone."

Sobra emoção também para os pais. "Eu sempre imaginava, sonho de criança, como seria o Havaí, como seria crescer lá e surfar sendo local", diz João Jabour, sobre ver os filhos vivendo no North Shore. "É emocionante. Hoje em dia os meninos que cresceram no Havaí se tornaram tudo aquilo que eu imaginava quando criança."

Há uma história romântica por trás do icônico casalzinho pelado que explicou para os jovens do final do século 20 o que era o amor: o desenho foi criado pela neozelandesa Kim Grove, em 1967, para seu então namorado e futuro marido, o italiano Roberto Casali. Kim escondia os desenhos para que Roberto encontrasse sem querer. 

Um pouco depois, em 1970, a tirinha começou a ser publicada e virou sucesso mundial. Também no Brasil, as figuras podiam ser vistas em jornais, dos quais casais apaixonados (e seus pais) as recortavam.

No auge da popularidade, os desenhos eram publicados em mais de 60 países e rendiam US$ 7 milhões por ano para o casal, mas já não eram fruto do traço original de Kim, embora continuassem levando sua assinatura – Roberto teve câncer alguns anos depois da primeira publicação, e Kim parou de trabalhar para ficar com ele. Desde 1975, quem faz os desenhos diários é o inglês Bill Asprey.

Stefano Casali, o filho mais velho do casal, assumiu a direção da empresa do amor depois da morte da mãe, em 1997. Eles não têm site para fãs, que “será feito no futuro” – o único endereço oficial é para informações de licenciamento –, mas os amantes podem baixar o app Love is… em seus iPhones. Pelo aplicativo, é possível comprar coleções especiais. E, claro, espalhar o amor, completando a frase que, até hoje, encontra eco em nossos corações: Amar é...